Silvia Durán es el corazón creativo de mulier estudio. Esta artista autodidacta ha encontrado en la cera su medio de expresión. En colaboración con Silvia Durán exploramos cómo el sello de metal y cera se funden para dejar huella, mientras nos cuenta la historia detrás de cada pieza.
¿Cuándo y cómo empezastes a trabajar la cera?
Durante el confinamiento sentí la necesidad de desconectar de la tecnología y volver a hacer cosas básicas, algo tan sencillo como pintar o jugar con plastilina. Fue como una especie de reconexión con mi niña interior. La cera siempre ha estado muy presente en mi vida, soy de esas personas que tiene su casa llena de velas.
¿Por qué elegisteis la cera como material principal?
Experimentar con la cera y poder crear formas únicas que puedan convertirse en velas u objetos de decoración me pareció una idea novedosa. Además podía añadir un factor importante, los aromas. Es un material que puedes modelar con las manos. La arcilla es similar pero necesitas posteriormente cocerla. Con la cera era todo más accesible. Buscaba crear formas que expresasen lo que sentía. Y esta es la razón por la que son velas escultóricas y no velas de vaso.
¿Nos podrías introducir en el proceso de creación de las piezas?
El primer paso es crear el diseño en sí, la pieza original. Solemos hacerlo con plastilina, que nos permite mucho juego. Una vez lo tenemos utilizamos silicona para crear un molde de esa figura.
El trabajo con la cera pasa por fundirla, añadir los pigmentos de color hasta conseguir la tonalidad que queremos y añadimos el aroma. Después la vertemos en los moldes. Tras varias horas desmoldamos y volvemos a modelar la pieza para tratar posibles imperfecciones.
¿En qué te inspiras para crear las diferentes formas que tienen vuestras velas?
Realmente creo que cualquier cosa creada con las manos tiene un significado subyacente a la propia consciencia. Cuando hablamos de crear un diseño en sí a veces no buscamos reflejar nada en concreto, pero una vez surge una figura o forma de repente te recuerda a algo, tiene un significado que no surgió de manera intencionada. Otras veces directamente me permito tratar de reflejar algo intencionadamente. Suelo tratar de contar historias relacionadas con mi propio camino de auto conocimiento.
¿Qué caracteriza al estudio?
Tengo especial predilección por los espacios de estilo industrial. Cementos y metales. Espacios muy poco recargados, con solo las cosas esenciales. No pueden faltar plantas e incienso, eso sí. Además una de mucha luz natural.
¿Como marca que os representa? Y qué significa esto para ti.
Mulier studio es un proyecto intimista, surgió por una necesidad expresiva, como algo sanador. Trato de que esa esencia no se pierda. Además lo comparto como una invitación a que las personas se conecten con el presente y su propia luz, a través de la forma y el aroma de las piezas.
“Sustainability is a way of living. It's not just about what we consume, but how and why.”
Born in Sweden, but based in the French Basque country, Lina gives life to Ronia Terra to develop her passion in healing, culinary, and visual arts.
How and when did you start with this? What has been your trajectory?
Since my teenage years, I've been passionate about the conjunction of food, plants & art. The many experiences of my life have led to the evolution of navigating my passions differently. When I came to Paris in 2012 and didn’t speak the language food became the way in which I could share health with people. My first job was as a barista in Paris, it opened opportunities to connect with a new community and the creativity and food became my language. Shortly after I started making granola and other recipes for the cafe by day, crafting creative pop-up menus by night, and traveling to cook for yoga retreats on my holidays until I decided to start my own business as freelance. The more people I met the more I continued to cook for new friends using food as a vessel for my creative mind. On my days off in Paris I often went to different parks or took the train to the countryside to spend time drawing plants that I sold after at 0fr. It was a way for me to still connect with nature and study plants by observing even when living in a big city for a few years. This time also made me work differently with my naturopathy practice, to dive deeper into other healing modalities and connect to intuition as my language now was kind of a barrier and I had to re-learn a new vocabulary. I am very grateful for those days and I don’t put too much emphasis on” the perfect plan” but rather on following my internal compass which just so happens to have led me here with you :)
Ronia Terra is about slowing down to understand deeply and this is something I remind myself in the pursuit of following my internal compass toward creative ends. Why I am passionate about what I am doing professionally, is because it’s all things I lived and practiced personally.
My work is a big part of my life, it’s art, nature, and constant research and experimentation. I love to learn new things, including about myself and I often go deep into subjects for a long time before talking about them, allowing myself to absorb what’s in front of me. Often while enjoying nature I take time to receive the beauty displayed in front of me to see the intricacies the natural world has to offer. Some weeks are more introverted for creating and others are more extroverted for social events. It helps me keep boundaries and explore a rhythm that flows with one's natural cycles and as I am often traversing the highs and lows of social engagements and need for reflective solitude always trying to find a rhythm through observing the moon calendar. I am always taking the time to know myself allowing for a better flow of creative expression and the nourishing balance of self-care.
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Could you tell us a bit about yourself and your background?
Describing myself, I’d say my soul travels between 7 and 60 years old haha. I’m a bit of a mystic who loves my solitude, yet I have a very social side that craves meeting and connecting with people. I like to go deep in conversation and subjects valuing trust, humility, and honesty in relationships. I have a love for learning and adventure and have always had an open mind to push and discover.
I grew up in Dalarna, Sweden a region 3 hours north of Stockholm, surrounded by forests and lakes. In our home, we spoke a mixture of Swedish and Spanish as my father is from Barcelona and my mother is Swedish. I think it’s an important detail about myself as I’ve learned and observed the world through a multicultural lens allowing me to understand the balance in life.
In 2010 I started studying naturopathy and herbal medicine in Stockholm allowing me to expand my passion for plants that started when I was young. Although thankful for my stable life in Sweden there was always a part of me that didn’t feel quite home. I left Stockholm in 2012, quitting my stable job, apartment, and lifestyle I created there, to go to France. I didn’t speak the language had no plans and no friends simply following my internal compass...11 years later I am happily still here with intention and a great community of people who support my passions.
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In your culinary dives you talk about how to lead a more sustainable life, this is a very large topic but if you could highlight something.
My approach, with Ronia Terra is that sustainability is a way of living. It’s not only about what we consume but the how and the why. Cooking with love, acting with kindness towards oneself and others, and taking time to see and observe nature’s gifts are examples of ways towards a sustainable life. These practices have longevity in creating a more sustainable path mentally and physically. These are ways in which Ronia Terra has shaped my personal evolution in a sustainable lifestyle. Of course, sourcing the best local produce is a priority as well, and following seasons, but also not get too rigid about the perfect plan. We’re not only mental beings in a mental world, but a part of something bigger that includes the mind, body, and spirit. There are many more ways in which “sustainability” can be implemented beyond the physical realm. Listening and taking time to live more in our hearts is one of the paths that will make our souls live more fully, and more sustainably.
This is the way we can move forward in leading a world we cherish as human beings co-existing with nature.
What do you like the most about Selloa and why did you choose us?
The moment I clicked on your page I knew this was my kind of stamp! I value your way of working with ecological material, and working by hand with quality wood, not to mention you all were so helpful! A series of choices that can shape our passion for sustainability, brands like Selloa contribute to the details of my work and values.
If it wasn’t for you Ronia Terra would have a potato stamp for sure!
“EN MI TIENDA TODO ES RECICLADO Y SOSTENIBLE, NO HAY NADA QUE SEA PERPETUO, TODO SE DEGRADARÁ Y DESAPARECERÁ"
Este mes viajamos hasta la otra punta del país para conversar con Lilia de AO Domini, nuestro amor compartido por la artesanía, los materiales y oficios casi desaparecidos han hecho de esta una charla un encuentro muy especial.
¿Qué te inspiró a poner en marcha un proyecto como este?
“Encontré inspiración en mis viajes a Holanda donde visitaba a mi hermano, pero el viaje que hicimos juntas a Copenhagen fue mi revelación. Una vida sostenible y en comunidad era lo que quería para mi proyecto que surgió de manera mágica, sin forzar nada.”
Trabajó en el sector textil toda la vida, conocedora del greenwashing, decidió apoyar la cultura del buen hacer. Para ello empezó creando una pequeña tienda muy ligada al entorno y al revés que el resto, dar más tarde el salto al online.
En AO Domini encontramos piezas que cumplen los principios de artesanía y sostenibilidad, y tienen origen atlántico, como su dueña.
¿Madera, vidrio o cera? ¿Qué materiales son tus preferidos y por qué?
Lino recuperado,vidrio soplado, madera de boj, seda teñida a mano, papel de arroz, cera natural, estos son los materiales que componen las piezas que encontrarás en AO Domini.
El lino y el algodón son sus materiales favoritos, y prueba de ello es la cantidad de los camisones antiguos expuestos, de origen Inglés y Francés, o las piezas creadas a partir de lino recuperado, tan solo 4 piezas de cada modelo, lo que las hace totalmente únicas.
Esta es la clave de su proyecto, escoger muy bien el origen tanto del material como de quién lo produce y ofrecerle al producto un hogar donde seguro lo van a saber valorar.
¿Quién realiza la selección de piezas y en qué te fijas?
Conversamos con Lilia sobre tejidos, selección de proveedores y sobre aquello que le mueve a la hora de realizar la selección de piezas.
La estética del proyecto es clave para atraer la atención de Lilia, quien dice necesitar sentir una química especial con el producto para considerarlo. Ella realiza la selección de objetos de AO Domini, donde habitan las mejores piezas de artesanía de este país. Piezas artesanales de origen atlántico y filosofía japonesa.
Hace hincapié en lo importante que es conectar con el proveedor, nos dice que es imposible que salga mal con personas maravillosas y seguro que es así.
Su idea de no generar residuos, ni consumir más de lo necesario está presente en cada decisión que toma, por eso escogió personalizar cada detalle del packaging con Selloa, por ser sellos fabricados con caucho ecológico, por las personas que hay detrás y por tratarse de un proyecto consciente.
Lilia etiqueta de forma manual cada pieza a la venta como las servilleta de lino gallego y los vasos ámbar de vidrio soplado. Etiquetas de tela, bolsas de papel, adhesivos de papel kraft con relieve, tarjetas con su marca,... Lilia nos descubre un sin fin de posibilidades a la hora de personalizar a través del uso de sellos manuales.
MI TALLER SOY YO, ES EL LUGAR DONDE CREO, ME INSPIRO Y QUE COMPARTO CON LA GENTE QUE QUIERO. Viajamos hasta la vieja carpintería donde hoy se encuentra el taller de Javier Sánchez Medina, para conversar con él sobre artesanía, oficios rescatados y arte.
Javier Sánchez Medina trabaja el mimbre y ratán para crear piezas únicas que se han convertido en verdaderas obras de arte. Nos cuenta cómo llegó a dedicarse a esto: “Lo de «ser espartero», cuando comencé le sonaba a mi familia y amigos a una locura abocada al fracaso pero quería revisar mis orígenes, volver al principio de todo, y darle mi propia interpretación. No tengo antepasados artesanos, pero sí veía a mi abuelo con las sillas de enea, y además por alguna razón los oficios casi desaparecidos de mi tierra han estado siempre muy presentes en mí.
Familiarizados con la satisfacción que produce el trabajo artesanal le preguntamos a Javier qué emociones le evoca trabajar con sus propias manos. “Me produce una enorme satisfacción, crear con nuestras manos nos ayuda a conocernos a nosotros mismos y nos hace mejores personas. El trabajo con nuestras manos nos obliga a alejarnos del ritmo acelerado del mundo en el que vivimos, y de los estímulos externos y nos ayuda a acercarnos a quién somos realmente”.
Los lugares a los que viaja, el cine, la fotografía son su fuente de inspiración... pero sobre todo cualquier artesano que lucha, en cualquier parte de su país, a fin de que las tradiciones no se olviden. “Me inspira Juan cuando me enseña la técnica de cestería que ha estado aplicando 40 años. Me encanta ver su cara de orgullo cuando le muestro cómo con una técnica que él me ha enseñado he hecho otro objeto”.
Todas las piezas pasan por su manos y son únicas. Nos inquieta conocer cómo es ese proceso creativo. “Creo que, sobre todo en nuestros días, en la artesanía en proceso creativo comienza en la mente del artesano y no en sus manos, sobre todo como "autor" del proceso, comenzando por pensar, explorar, considerar, y estar en conexión directa con los materiales que voy a utilizar para crear esa obra”.
Esperamos que esta charla os haya gustado tanto como a nosotros.
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EL PAPEL ES UN MATERIAL MUCHAS VECES INFRAVALORADO, PERO ES EL INICIO DE CASI TODAS LAS GRANDES OBRAS.
Charlamos con Cristina Velasco quien desde su estudio crea auténticas obras de arte hechas a base de papel, el material más generoso. Convertida en artesana del papel, trabaja para interioristas, producciones de moda y grandes firmas como Inditex.
¿Cuál es tu primer recuerdo jugando con papel?
¿Cómo convertisteis un hobby en arte al que dedicarte?
Vimos que había personas y empresas dispuestas a pagar por nuestras creaciones y conocimiento y estábamos en una situación de crisis económica mundial, con unas condiciones laborales muy malas y decidimos que para trabajar gratis para otros (que casi nunca lo valoran) pues trabajaríamos para nosotras mismas.
¿Qué define tu estilo?
Es un estilo bastante limpio, sencillo, creo que es bastante fácil identificar un Anaquiños de papel. Hacemos flores, animales, packaging, tocados, joyas,...me encantan las flores, aunque lo que más me gusta es cuando me piden algo por primera vez, ese reto creativo me encanta.
Cristina Velasco se considera fan de las revistas de moda y decoración, amante de la moda, el diseño y la música, pero donde encuentra la inspiración es fuera del papel, en el mundo real y la música, que siempre está presente en el estudio.
¿Qué tiene el papel que no tengan otros materiales?
Es súper accesible, es un material muchas veces infravalorado, pero que es el inicio de muchísimos proyectos, casi todas las grandes obras, primero fueron plasmadas en papel.
¿Hacia dónde te gustaría que evolucionara Anaquiños de papel?
Anaquiños está evolucionando a un estudio de artesanía en papel, donde se pone en valor al máximo la artesanía, lo hecho a mano cuidando cada detalle. Haciendo trabajos cuidadosamente seleccionados. Antes hacíamos de todo y decíamos que si a todo, en estos momentos tenemos que seleccionar muy bien cada trabajo para poder desarrollarlos con la calidad y cuidado que se merecen.
A nuestros clientes les gusta cuidar de os detalles. ¿Tienes algún truco para ellos?
Elegir un papel adecuado según gramaje, para que quede muy bien y luego ver alguno de nuestros tutoriales para añadir algún toque extra al empaquetado
Para esta colaboración Cristina Velasco creó una flor confeccionada íntegramente en papel. Un proceso absolutamente artesanal al que ha añadido como broche final el sello en seco que elaboramos con el nombre de su marca para que sus piezas ahora más que nunca sean reconocidas.
El papel utilizado para elaborar la flor es de 165gr, recomendamos que el gramaje del papel utilizado con el sello en seco no supere los 200gr.
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En la Bisbal d'Empordà, se encuentra SAMPERE , un taller abierto al público, donde crean obras de arte que hacen las veces de platos y otras piezas clave de la vajilla de los chefs más reconocidos de este país. Charlamos con Diego quien nos cuenta como tras dar sus primeros pasos en el mundo creativo a través de la cerámica, descubrió que lo suyo eran las vajillas para los grandes chefs. Fotos de Monica Garcia.
¿De qué manera te viste influenciado por la gran tradición cerámica de La Bisbal? ¿Qué es lo que te hizo dedicarte a la cerámica?
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¿Qué significado adquiere el taller para vosotros?
El taller actual estamos desde hace poco más de 3 años. Nos mudamos a la Bisbal d'Empordà porque es un lugar con mucha tradición por la cerámica y porque conocemos muy bien la zona.
Nuestro taller es como nuestro hogar, es donde pasamos gran parte del día y un lugar muy especial que poco a poco lo hemos ido mejorando.
Queríamos que el taller transmitiera muy bien los valores de SAMPERE, donde tenemos la visión de recuperar el oficio de ceramista, que poco a poco se ha ido perdiendo con el tiempo.
Es por eso que desde un principio hemos querido hacer un taller abierto al público, para dar a conocer todo el proceso de producción artesanal de nuestras piezas.
Es parte de lo que somos, nos hace felices enseñar cómo trabajamos y la verdad que la gente lo aprecia mucho. Es intentar hacer que una visita a nuestro taller-tienda sea una experiencia.
¿Qué te mueve en términos de inspiración?
La zona del Ampurdán es una maravilla en cuanto a paisajes y en mi caso, la inspiración viene sobretodo, de los paisajes de la zona. Soy un enamorado del mar y cada semana, sea invierno o verano, voy a algunas de mis calas favoritas de la zona a nadar y desconectar. Son estos momentos de desconexión en los que disfruto más creando nuevos productos.
¿Qué es lo que te hizo especializarte en piezas destinadas a la gastronomía?
Pues fue mitad casualidad, mitad destino. Por una parte, siempre me ha gustado cocinar y comer bien. Por la otra, uno de los primeros proyectos que diseñé al acabar la carrera fue una vajilla que jugaba con el equilibrio. Cosas del destino, uno de los primeros chefs que compró la vajilla fue para un restaurante de Martín Berasategui, uno de los chefs más reconocidos en España que cuenta con 12 estrellas Michelin. A partir de allí, empecé a diseñar nuevas piezas, creando una marca y paso a paso hemos logrado crecer y dedicarme a una profesión que se ha convertido en mi pasión.
Hasta 18 pasos para producir cada una de las piezas de la vajilla SAMPERE.
Sí, para finalizar una piezas, entre todos los procesos, son unas 2-3 semanas de producción. Seguimos un proceso de producción artesanal, que no es el más rápido pero con el que conseguimos que cada una de nuestras piezas sea única.Para nosotros es muy importante dar a conocer nuestra marca y es por eso que uno de los procesos es el de sellar las vajillas con un sello de calidad.
Entre plantas y flores frescas las hermanas Aviñón crean sus propias fórmulas de cosmética natural. Charlamos con Celia y Lorena Aviñón, fundadoras de Nasei, la marca de cosmética de origen vegano y ecológico, elaborada en España. Foto champú por Juanjo Molina
¿Cómo descubristeis la cosmética natural y por qué decidisteis dedicaros a ella en cuerpo y alma?
Venimos de una familia de horticultores; tanto nuestro abuelo, como padre siempre han tenido sus propias plantaciones de frutales y huerta donde cultivan tanto vegetales como plantas medicinales.
Nos hemos criado rodeadas de infusiones de manzanilla e hinojo cuando alguién sentía una indigestión, de recolectar hierba de San Juan en verano y hacer macerados para después utilizarlo en contusiones, así como la recolección de romero para hacer alcohol que se empleaba como friegas cuando había dolores musculares.
Nuestra abuela por su parte no nos dejaba acostarnos sin antes limpiarnos la cara con agua de rosas y aplicarnos unas gotas de aceite de almendras. Ella nos enseñó la receta de belleza más básica pero increíblemente efectiva para tener un rostro suave y nutrido.
Con todo esto, era lógico que nos pareciese extraño que hubiera cosmética con ingredientes artificiales y que desde un primer momento la rechazamos.
Nuestra abuela por su parte no nos dejaba acostarnos sin antes limpiarnos la cara con agua de rosas y aplicarnos unas gotas de aceite de almendras. Ella nos enseñó la receta de belleza más básica pero increíblemente efectiva para tener un rostro suave y nutrido.
¿Qué tipo de elementos componen vuestros champús orgánicos?
Únicamente de plantas y además de procedencia nacional. Consideramos que el verdadero espíritu ecologista se encuentra en lo local. No solo por una reducción de emisión de CO2 al ambiente, también porque nuestro lema “somos lo que nos rodea” explica muy bien que la botánica de nuestra tierra es increíble. No nos falta de nada. Traer aceite vegetal desde la otra punta del planeta teniendo aquí olivos, almendros y avellanos, por ejemplo, es como una falta de respeto por nuestra agricultura.
Creemos que es necesario valorar más lo que tenemos al lado de casa, aunque en términos de marketing no quede tan exótico y atractivo.
Suena precioso vuestro trabajo, encapsular aromas de la naturaleza y convertirlos en aceites corporales, champús y jabones. ¿Cómo es el proceso de creación? ¿Qué es lo que os inspira a la hora de crear un nuevo producto?
Primero debemos sentirnos estimuladas para crear. Nasei es arte. Al igual que escribir un libro requiere dedicación, o un cuadro puede quedarse aparcado años antes de volver a ser retomado, con nuestra cosmética nos ocurre exactamente igual.
Nos gusta disfrutar de todos los procesos; desde el diseño hasta la parte fotográfica. Se trata de fluir con el momento, los olores, las texturas…
Cuando se crea un nuevo producto es porque respondemos a la demanda por parte de nuestras clientas. Ellas son las que nos guían sobre las necesidades que sienten, ya que se trata de un nicho muy concreto que no usan cosmética por capricho, sino por un acto de autocuidado, de salud.
Si vemos que es factible por encajar con nuestros valores, nos lanzamos a la piscina, aunque esto pueda suponer meses o años. Nos gustan los retos.
¿Dónde elaboráis vuestros productos? ¿Cuánto tiempo os lleva crear un cosmético?
Contamos con un laboratorio donde se elaboran todas las fórmulas propias de Nasei. El desarrollo de un producto no es tarea fácil y más para dos mujeres con exceso de perfeccionismo. Esto hace que muchas veces se atrase el lanzamiento inicial de un cosmético, pero consideramos que es mejor tardar y aportar a la sociedad algo efectivo, gustoso y de calidad que no dejarnos llevar por las prisas.
Aunque seamos una empresa muy pequeña también llevamos a cabo un meticuloso I+D: primero pensamos que queremos que aporte el cosmético a la piel, qué propiedades ha de tener, qué ingredientes son los más premium, hasta qué envase es el más adecuado. Todo lleva un proceso muy meticuloso que no se ve, pero se aprecia.
Hay mucho ensayo-prueba-error hasta dar con la composición final y poder lanzarlo al mercado. Más o menos puede ser dos años, aunque en el caso de los champús fueron cuatro, pues no queríamos plástico como envase ya que siempre utilizamos vidrio.
Después de muchas dudas nos decidimos por crear un champú sólido que en su momento fue todo un reto por los factores que influyen, como la humedad, que puede arruinar el producto.
El agua es el principal enemigo de nuestra cosmética, ya que Nasei carece de conservantes de síntesis así como endurecedores que dan un aspecto apelmazado al cabello.
¿En qué se diferencian vuestras fórmulas del resto de productos que ofrecen otras marcas de cosmética natural?
Hay tres características que nos definen y nos hace diferentes:
La principal es que gracias a nuestra experiencia en cosmetología todas las fórmulas han sido creadas por nosotras mismas. Además como esteticistas conocemos muy bien lo que la piel necesita y qué cuidados requiere.
Seleccionamos únicamente ingredientes puros y ricos en propiedades. No es lo mismo un aceite vegetal refinado que uno de primera presión en frío que mantiene todas las vitaminas y ácidos grasos intactos. Y ya si su procedencia es de agricultura ecológica donde no hay ni gota de pesticidas ni plaguicidas, el producto es muy top, sobre todo para aquellas personas con intolerancias cutáneas a los derivados de la industria petroquímica.
Por otro lado, no utilizamos agua en nuestras fórmulas porque nos resulta flojo, en este caso lo sustituimos por hidrolatos florales obtenidos por vapor de destilación, que son mucho más completos porque contienen nutrientes esenciales para la piel. Este sencillo gesto, aunque también más caro, hace que Nasei sea una firma que está en un peldaño muy alto en la escala de la cosmética natural y orgánica.
Y por último, pero no por ello menos importante, es nuestro mayor secreto: los proveedores. Esto es como el que va a por hongos en otoño, descubre un lugar donde los hay estupendos pero que no se lo cuenta a nadie porque es su gran descubrimiento. La exquisitez no abunda.
La historia de Selloa la comenzó mi abuelo hace más de 40 años. Sin saberlo, él sembraría en nuestra familia lo más valioso que tenemos: nuestro legado.
Un legado que habla de la pasión por lo analógico y el trabajo manual. Del cuidado al detalle y la curiosidad por las pequeñas cosas. De cómo mejorar día a día las técnicas y los procesos de fabricación.
Hace más de 44 años él abrió nuestro taller de grabado donde generación tras generación, hemos adquirido el gusto por el oficio. Donde mi abuelo le transmitió a mi padre lo que significa esfuerzo y dedicación. Donde yo crecí viéndolos trabajar mano a mano.
Un lugar que se convirtió también en hogar. En el centro de visitas y reuniones familiares. De increíbles anécdotas y de bonitos recuerdos. De tardes enteras jugando e investigando cada rincón. Y, poco a poco, fui descubriendo el curioso mundo de los sellos y el grabado.
Mi padre soñaba con que algún día tomara su relevo en nuestro taller. Y, de repente, llegó la pandemia y sentí la necesidad de cambiar de rumbo. De volver a mi origen. A aquellas tardes de juegos en las que lo más importante eran los nuevos tesoros que encontraba rebuscando entre los cajones de mi padre y de mi abuelo. Cuando encontrar una letra, una chapa o un simple borrador era todo un premio.
Así nació Selloa hace justo dos años. Una vuelta de tuerca a lo que mi abuelo construyó años atrás. Un proyecto que comenzamos de la mano padre e hija y que hoy nos permite compartir nuevos sueños, objetivos e ilusiones. Con responsabilidad y con orgullo por nuestro legado familiar. Pero también con el miedo y el nudo en la tripa frente a lo desconocido.
Ahora yo también sueño con hacer perdurar nuestro taller, nuestra herencia. Dos años después, podemos decir que sin vosotros no habría sido posible. Y sentimos verdadera gratitud de poder dedicarnos cada día a lo que nos hace felices. A lo que vale la pena.
Celebremos los dos primeros años de Selloa como mejor sabemos hacerlo. Disfrutando juntos del camino.
Por eso, en Selloa sentimos la necesidad de volver al origen, de poner en valor el trabajo manual. De rescatar esos objetos tradicionales que el mundo digital ha dejado atrás.
Y así nació este proyecto que hoy es una realidad. Desde nuestro taller en Castellón, fabricamos sellos sostenibles de madera de haya y caucho ecológico. Mi padre y yo nos tomamos nuestro tiempo en producir cada pieza para hacer de vuestros pedidos un sello único, personal y de calidad. Porque la calidad está en la durabilidad de los sellos y la durabilidad siempre es sostenibilidad.
Sellos que os acompañarán durante más de 10.000 usos. Con los que disfrutaréis del proceso, del trabajo analógico y artesanal. Sellos con identidad que nacen para intentar devolverle a la tierra lo que ella nos da. Para dejar huella sin dejar huella.
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Fotógrafa, artista, activista, feminista. Ella es Andrea Savall, el alma de Girls from today y, sobre todo, una mujer que nos inspira en lo personal y lo profesional.
Hoy charlamos con la autora de “Cosas de las que no deberías hablar”, su último fanzine que se ha convertido en libro. Sobre esos miedos y tabúes que rodean a las mujeres. Sobre sus retratos generacionales. Sobre libertad, igualdad y sororidad. Sobre todo lo que ha aprendido de feminismo gracias a la literatura.
¿Cómo nació “Cosas de las que no deberías hablar”, el último fanzine de Girls from today?
Nació en 2020 pero lo tuvimos que suspender por la pandemia, se me rompió el disco duro también con todo lo que llevaba maquetado. Entonces decidí que iba a ser otra cosa, tomármelo con más calma y delegar el diseño en mi amiga Marta, que es una profesional increíble.
Es un libro que nace de la necesidad de sacar todo lo que tenemos dentro desde hace muchos años y que a veces, hay que revisar para poder estar mejor. A atrevernos a ser sinceras, tener valor y deshacernos de nuestros tabúes sin que nos importe la opinión del resto.
¿Nos podrías hacer un spoiler sobre lo que nos vamos a encontrar en sus páginas?
Un montón de mujeres escribiendo para liberarse a sí mismas y a otras cuando las lean. Un akelarre colectivo.
¿Cómo son las chicas de hoy? ¿Qué ves en sus historias y sus retratos?
Hay tantas chicas de hoy diferentes como chicas de hoy hay (jajaja). Creo que vivimos con la sororidad más presente que nunca.
¿Qué es para ti el feminismo?
El feminismo es la lucha en la que creo, el futuro. Hay que tener presente que hay muchos feminismos y es muy importante no solo mirar lo que tú necesitas o de la forma en la que necesitas expresarte. Cada contexto es un feminismo. El feminismo ya no se puede entender como uno solo. Aunque todos sean una liberación y, por supuesto, igualdad.
¿Qué lecciones sobre feminismo has aprendido leyendo? Dinos cinco libros que te hayan marcado.
El feminismo me ha enseñado a ser consciente de mis privilegios. A ser mejor persona (o eso creo), a escuchar otros relatos, a conocer a gente maravillosa.
1) “Todos deberíamos ser feministas” de Chimamanda Ngozi Adichie
2) “Mamá quiero ser feminista” de Carmen G. de la Cueva
3) “Feminismo para torpes” de Andrea Pérez de las Eras
4) “Cómo se hace una chica” de Catlin Moran
5) “30 maneras de quitarse el sombrero” de Elvira Lindo
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]]>Un proyecto familiar desde el interior de Mallorca. Un idilio rural en el que diseño y naturaleza se encuentran en perfecto equilibrio. Hoy conocemos a fondo Con Alma Design, la marca que ha convertido sus tablas de cortar en todo un must-have del menaje del hogar. Una auténtica oda al barro y la madera en manos de los artesanos Álvaro Garriga y Maria Antònia Marqués.
¿Cuál es el origen de Con Alma Design?
Para nosotros, el origen está en las cosas más cotidianas y en cómo las percibimos. Así nace nuestra pequeña empresa familiar. Un proyecto honesto y sencillo, vinculado a la naturaleza y en las manos imperfectas.
Con Alma nació de manera espontánea, en una conversación en un bar de Londres. Fue ahí cuando Maria Antònia y Álvaro, dos enamorados de los pequeños detalles, comenzaron a dar forma a lo que posteriormente se convertiría en su trabajo y su pasión. Un proyecto que pone en valor la sencillez, la materialidad y los acabados naturales.
¿Cómo es el día a día en vuestro taller?
Necesitamos mucha organización. Entendemos el tiempo como una herramienta más en el proceso de creación. Todo debe esperar, pero siempre hay que avanzar.
¿Qué encontrasteis en la madera y ahora también en la cerámica que os apasionó?
El entorno en el que vivimos nos llamaba a gritos. Estamos en medio del campo y ha sido él quien nos ha guiado para descubrir la materia prima tan maravillosa que nos rodea. Nos seduce la imperfección de la cerámica de barro, su belleza artesanal. Por eso, la madera y la cerámica se funden a la perfección en nuestras piezas.
De cerámica y madera. Tablas únicas, hechas a mano, que se han convertido en todo un icono. Piezas de líneas sencillas que reinventan uno de los utensilios más cotidianos y dotan a cualquier cocina de gran calidez, belleza y atemporalidad. Pura esencia mediterránea.
Cada una de vuestras tablas es única y con alma. ¿Qué es lo que más os gusta del proceso artesanal?
Todo el proceso tiene su encanto. Quizás, lo que más disfrutamos es cuando el cliente recibe su tabla. Ahí culmina nuestro trabajo. Creamos piezas para que perduren en nosotros y en nuestros hogares.
¿Dónde encontráis la inspiración para vuestras piezas?
Principalmente, en la madre naturaleza, pero las ideas pueden venir de cualquier ámbito. Por eso, siempre intentamos estar inspirados. Creemos que la creatividad se trabaja y es entonces cuando indagamos para hacer cosas nuevas.
La naturaleza es un elemento clave para vosotros. ¿Cómo hacéis para permanecer conectados a ella?
RESPIRÁNDOLA.
]]>Charlamos con María Rufilanchas la directora creativa 🧠✍🏻que convirtió la palabra molaría en su seña de identidad.
¿Qué es para ti la inspiración y qué o quién te inspira?
“Holiiii. El juego, el lenguaje, las ideas, la poesía, el humor, lo invisible, lo escondido, lo inesperado (lo que produce en el cerebro, ese cosquilleo), observar, aprender, sorprender(se); escapar.
¿Cómo llevas a cabo el proceso creativo cuando te entra un nuevo proyecto?
¿Por qué decidiste hacer de la palabra molaría tu seña de identidad?
Puede sonar a cliché pero lo decidió ella sola. Es una larga historia, ¿tienes tiempo?, ¿te apetece un vino? Tengo que presentarte a Borch.
Borch, Borja de Arteaga para los clientes: un personaje, muy gracioso, muy brillante, muy conceptual, muy perfeccionista, muy esteta, muy humilde, muy currante, muy macarra, muy único, pero sobre todo, muy buena gente. Borch, un golpe de suerte. Aprendí muchísimo de él y con él. Nos conocimos en el año 2000 en una agencia de publicidad cuando nos pusieron a trabajar juntas, director de arte + copywriter, estábamos empezando, nos enamoramos (profesionalmente hablando) y de esa agencia pasamos a otra y a otra y a otra y no conseguimos estar a gusto en ninguna.
En 2007 decidimos renunciar a un sueldaco, independizarnos y seguir trabajando para ellas pero de otra manera. Entonces apenas había freelances creativos. Y nos empezó a ir bien. Éramos más libres, sobre todo por las noches y los fines de semana. Podíamos elegir en qué proyectos meternos y en cuáles no y trabajar en casa. Vivir. El tiempo era por fin nuestro.
Una noche de julio, en un concierto de Björk en la Plaza de las Ventas, aterrizó molaría en mi cabeza, sin más, como una mosca en la oreja de una vaca. No recuerdo qué canción sonaba pero sí que empezaban a verse más linternas de móvil que mecheros y que visualicé la papelería: molaría trabajar juntos en las tarjetas de visita, molaría que no nos pagaras a 90 días en la factura; daba mucho juego. Al día siguiente lo compartí con Borch, nos pusimos a desarrollarlo bien y, como hacía con todo, lo mejoró. Björk, Borch. Ahí lo dejo.
En las fotos, dos sellos fruto de la colaboración Molaría x Selloa. De izquierda a derecha, ex-libris estampado con mensaje y sello para envoltorio de paquetes.
Diseñamos la identidad visual y verbal, alquilamos una oficina enana y en septiembre abrimos una Fan Page en Facebook para mostrar trabajo y compartir molarías. Igual que la crisis, Facebook justo arrancaba en España. Era la época dulce y amable de los grupos de Señoras Que, qué risa, no existía el odio, qué tiempos, molaría que volvieran.
Conseguimos hacer ruido y atraer gente increíble (Natalia Mirapeix, Ales Santos), pero no sacarnos un sueldo digno porque en esa época los clientes no estaban en Facebook (quedaban muchos años para eso y para las colaboraciones pagadas), nos gustaba mucho pensar ideas y molarías pero muy poco salir a venderlas o a buscar clientes, el new business, o el business, directamente, nunca fue lo nuestro (sigue sin serlo). Y Borch tenía dos criaturas. Y un sueldazo que recuperar.
Así que en 2011 decidió emigrar con su familia a Suiza y buscar curro fijo allí de director de arte en una agencia. Me tocó decidir si cerraba molaría y volvía a una agencia o seguía sola. Acerté. Empecé a coger trabajo solo de copy. En 2017, Paseo rediseñó la identidad, abrí un perfil de Instagram y hasta hoy. Con el tiempo, y gracias a teta & teta, he descubierto la creatividad con impacto social y te juro que estoy en mi salsa.
Total, que ya ves, aunque parece una cuenta de Instagram, molaría nació hace 14 años, madre mía. Nuestra peor y nuestra mejor idea.
¿Cuáles son tus frases favoritas?
¡Mejor elige tú! Mil gracias, Julia y Javier ☺
Sus trabajos llegan bajo encargo, suponen una experiencia diferente. "Tienes que intentar ponerte en la piel de tu cliente e interpretar qué es lo que quiere, que le emocione lo que has hecho con su idea. Es casi un ejercicio psicológico pero muy gratificante y muchas veces super interesante para refrescar tus ideas".
"Mi proceso creativo es sencillo, investigo un poco, compro libros sobre la temática que me interese en ese momento, analizo las imágenes y empiezo a seleccionar las líneas que quiero trabajar. Empiezo a definir un poco las paletas de color y después empiezo a esbozar composiciones muy esquemáticas para luego utilizarlas como boceto de la pintura final."
En cuanto a su estilo, siempre le ha interesado esa delgada línea entre lo bueno y lo malo que representa muy bien el misterio. Nos cuenta que la inquietud y la intriga de no saber qué puede ocurrir le resulta muy emocionante. Y por otro lado, que las cosas no tengan un carácter moral definido parece más interesante que algo que es 100% bondad o 100% maldad. "Los matices y los grises que se pueden encontrar en el medio son mucho más interesantes".
Visitamos la casa-taller de Eugenia Boscá, resulta difícil no perderse contemplando las estanterías repletas de pigmentos, arenas y herramientas.
Contemplar su trabajo es sinónimo de disfrute. Como cualquier otro proceso creativo incluye una fase de explorar, se crean bocetos con varios rasgos y se buscan las proporciones adecuadas para de ahí pasar al darle forma en barro. Se trata de un trabajo de procesos calmados, donde cada pieza se convierte en única al igual que la marca que en ella deja su sello.